首先，我们需要明确什么是艺术的形式。艺术的形式，简而言之，是指通过一定的技术和手段表现出来的作品或创作中的基本构成元素，如色彩、线条、形状、空间布局等，它们共同构成了一个整体，使得作品能够以一种独特且有意义的方式表达出作者的心理状态、社会背景或者个人的情感体验。

在探讨传统艺术与现代艺术之间形式上的差异之前，我们应该对两者都有一定的了解。传统艺术通常指的是那些历史悠久，经过长期发展和演变形成的一系列风格和技艺，如绘画（尤其是油画）、雕塑、大型壁画等，它们往往受到宗教信仰、文化习俗以及社会阶层等因素的影响。在这些领域中，许多作品都是为了纪念某些重要事件或人物而创作，以此来传递历史信息或展示崇拜对象。

相比之下，现代艺术则更加多元化，不受任何特定文化或时期的限制。它不仅包括了各种各样的视觉媒体，如摄影、印刷品（如版画）以及数字媒体，还包括了音乐、戏剧甚至动态装置。这一类型也更加强调个人表达自由和创新性，对于材料选择没有固定的规范，只要能够实现创意目的，就可以使用任何媒介，无论是日常生活中的物品还是高科技设备。

那么，在这些不同的背景下，传统与现代艺术如何展现它们所特有的“形式”呢？我们可以从几方面来进行比较：

技术手段：在绘画这一领域里，最显著的一点就是技法上面的区别。大师级水平的人工精心描绘每一笔，每一次颜色的搭配，这种细腻的手工艺已经成为了一种特殊技能。而现代绘画则可能涉及到抽象表现主义，即直接用颜料抛洒，而不是刻意去描绘具体的事物，从而让观众能感受到更深层次的情感表达。

主题内容：传统美术更多地关注于叙事性的主题，比如宗教故事或者王公贵族家族史。而现代美术，则倾向于探索更为抽象的话题，比如人际关系、私密情感或者对现实世界批判性的反思。

作品尺寸：古代大型壁画由于制作复杂，因此被用于公共场合，而小巧精致的小型油画则适合私人收藏家。不过，现在随着技术进步，大型安装式雕塑也成为了当代艺术的一个重要组成部分，而且它们常常会占据整个空间进行展示，与古典巨幅壁画并无二致。

观众互动：对于观看者的参与度来说，尽管也有例外，但一般来说，在观赏一个展览时，大多数观众会保持静止状态欣赏，并不会主动参与到工作室内的情况中。但是在一些当代展览中，有时候就鼓励甚至要求参观者走进作品内部，或许还需要穿戴特殊装备才能完全体验到那部作品带来的效果，这种互动性很大程度上改变了人们看待“形式”的方式。

艺术家的角色：最后一点，也是一个非常关键的问题。在过去，当一个名匠完成他的杰作后，他/她通常会把自己的名字署在旁边，以彰显其所有权和认可。此外，他们也可能有着严格规定关于如何欣赏这件作品，比如必须站在特定的角度才能看到全部细节。在这个过程中，一位名匠几乎是神圣不可侵犯的地位。他/她的创造力被赋予了最高价值，被认为是直接来自天才灵感的地方。而今天，由于开放性质极大的环境，一些新兴运动开始挑战这种单一制导模式——例如街头藝術，用墙面作为临时的大厅；又或者身体行动作为一种新的沟通工具——即舞蹈表演，将身体语言融入公共空間，让普通市民也能成为「藝術家」；还有那些未经专业训练但拥有激发想象力的街头讲述者，他们将都市生活转化为诗歌般流畅的声音故事，将听众卷入他们所说的梦境世界中。一切都变得充满可能性，没有前置条件，因为现在每个人都可以成为「藝術家」，只要他们愿意尝试去做那样的事情。这使得我们的定义何为「藝術」变得更加宽广，也因此我们的理解力越加敏锐，同时我们对未来不确定性的接受度越高，所以这也是为什么有些人说现在比以往任何时候都更加接近真正意义上的「民主」时代，因为每个人都有机会参加其中，无论他是否曾经学过怎么做事业设计书籍这样的事情，他仍然能够贡献自己的一份力量给这个世界，从而继续推广这种感觉和概念给其他人看待事情的时候添加更多新的想法。